Comment es-tu arrivé ici ?
C’est la question centrale de la réflexion de Stephen Sondheim. Joyeux, nous roulons, actuellement dans une production brillante et émotionnellement déchirante au Keegan Theatre de DC. Comment le talentueux et idéaliste Franklin Shepherd, rongé par l’ambition et manipulé par une épouse toxique, en arrive-t-il à trahir ses amis et ses propres dons musicaux, pour finir dans le désespoir ?
Alors que l’histoire commence en 1976, on voit pour la première fois Frank (Ryan Burke) pendant l’ouverture, seul et abattu. Sondheim et ses collaborateurs (George Furth, Hal Prince et James Lapine) jouent le rôle d’archéologues, épluchant les couches de la vie de Frank et de ses amis Charley (Harrison Smith) et Mary (Sara Chapin), creusant chacun plus loin dans le temps. scène, explorant les choix qui les ont éloignés de l’espoir brillant et de la profonde amitié qu’ils ont ressentis lors de leur première rencontre en 1957.
La chronologie rétrospective de la pièce permet à Sondheim d’utiliser le dispositif d’arrêt de ce qu’il appelle la « reprise inversée », dans laquelle le public entend d’abord une chanson dans un contexte plus récent, puis entend à quoi ressemble la musique à un moment donné. une époque antérieure dans la vie des personnages. La chanson la plus connue de la série, « Not a Day Goes By », en est un parfait exemple.
Dans le premier acte, Beth (Brigid Wallace Harper) chante la chanson comme une chanson de chagrin amer alors qu’elle divorce de Frank. À son honneur, Harper livre le numéro avec retenue ainsi qu’avec douleur et colère passionnées, évitant la tentation d’en faire une interprétation de style concert d’une chanson à succès. Puis, dans le deuxième acte, Beth et Frank, placés au centre de la scène, se chantent la chanson avec amour tout en échangeant leurs vœux, les mots clés étant modifiés. Mary, seule sur scène à droite, dans un éclairage subtilement accentué, chante les paroles de la chanson, entrecoupées de celles de Frank et Beth, exprimant son chagrin alors que l’homme qu’elle aime désespérément épouse quelqu’un d’autre.
Mary n’exige pas Frank et n’essaie pas de le manipuler. Elle essaie de rester proche de lui en l’aidant à entretenir ses autres relations. Elle tente d’arbitrer l’éloignement croissant entre Frank et Charley et met en garde Beth contre les desseins de Gussie sur son mari. Avec des motivations quelque peu mitigées, elle exhorte Frank à prendre des vacances après son divorce avec Beth. Ses «Like It Was» et «Old Friends», ainsi que sa tirade alcoolisée dans la scène d’ouverture, font de Chapin’s Mary un personnage inoubliable et profondément touchant.
La partition regorge de chansons mémorables. « Franklin Shepherd, Inc. », la crise hilarante et tragique à l’antenne de Charley sur l’abandon par Frank de leur rêve commun d’un spectacle significatif au profit de produits « commerciaux » plus légers, est une tâche aussi difficile pour un chanteur que n’importe quoi dans le canon de Sondheim. . Smith réussit parfaitement. Charley de Smith est impatient, nécessiteux et ringard, moins puissant que Frank dans leur relation, mais un survivant, dont la vie reste la plus intacte des trois principaux à la fin des 20 ans de la série. Smith peut également chanter une version très douce et délicate d’une autre des grandes chansons de la partition, « Good Thing Going », un air que lui et Frank écrivent pour un spectacle qu’ils présentent et qui décrit également l’arc de leur relation.
La seconde épouse ambitieuse et captivante de Frank, Gussie (Sumie Yotsukura), est une reine de la manipulation, une source de chaos dans la vie des autres qu’elle utilise pour atteindre ses objectifs, et finalement quelqu’un capable de colère violente. La performance de Yotsukura montre un sous-texte de vulnérabilité dans le personnage de Gussie, qui à la fois la motive et lui donne un outil de séduction efficace. Elle est la plus manipulatrice et la plus séduisante dans ses versions ronronnantes et persuasives de « Growing Up ».
Et qu’en est-il de Frank ? Il est le centre creux du spectacle, autour duquel tournent les autres personnages et l’ensemble. Frank a peu ou pas de sens de l’humour. C’est quelqu’un qui est influencé par d’autres : Beth, Gussie, Joe (un producteur qui veut que Frank écrive des spectacles à succès commercial avec des mélodies « hummables », habilement interprétées par Duane Richards II), et le volage « Blob », la masse de ce que nous appellerions aujourd’hui les « influenceurs » du show business. Charley et Mary, les personnes les plus proches de lui, ont finalement le moins d’impact sur ses choix.
Ignorant émotionnellement, il surfe sur les vagues créées par les autres, touchant rarement le terrain de son propre talent, une fois son premier élan de créativité entre 1957 et 1962 – évident dans « Bobby et Jackie et Jack », « Opening Doors » et « Our Time ». – a suivi son cours. Burke, un excellent chanteur, ne peut pas rendre un tel personnage sympathique, mais à mesure que le spectacle avance, il le rend compréhensible.
Joyeusement se porte bien par son ensemble. Les numéros de groupe comme « The Blob », « That’s Frank » et « Transitions », qui établissent les années au cours desquelles se déroule une scène à venir, sont efficaces. Les membres de l’ensemble jouent également des personnages importants, tels que Tyler (Taylor Witt) ou les parents de Beth (Chris Gillespie et Santina Maiolatesi). La chorégraphie (Jennifer J. Hopkins) est vivante et délicieuse à la fois pour l’ensemble – « The Blob » est particulièrement humiliant – et pour les protagonistes de numéros comme « Bobby et Jackie et Jack », avec des mouvements bien conçus pour paraître informels tout en étant exécutés. avec précision.
Hopkins et Christina A. Coakley ont codirigé la production, qui est serrée, fait confiance au matériel et au casting et utilise de manière optimale l’espace de Keegan. Les détails sont clairs et précis.
Le décor de Matthew J. Keenan, avec trois niveaux d’aire de jeu au-dessus du sol de la scène, offre un espace vertical ample et varié pour l’action du spectacle, maximisant l’utilisation de la largeur limitée de la scène. Il est partout couvert par des représentations de pages de journaux, faisant référence non seulement, comme le chantent les personnages, au fait qu’ils « sont les noms dans les journaux de demain », mais aussi à leur situation de vie entourée d’un examen public.
Les projections de Jeremy Bennett sont une merveille, représentées sur des panneaux suspendus au-dessus du décor. Parallèlement aux transitions chantées, ils établissent la chronologie du spectacle, avec des photos représentant les années de diverses scènes (par exemple, des photos de Bobby Kennedy et de Martin Luther King pour 1968). Ils créent également des scènes de bâtiments et de lumières de la ville ou, en conjonction avec la conception d’éclairage de Dominic DeSalvio, le ciel nocturne. L’éclairage utilise efficacement la couleur pour donner le ton émotionnel aux scènes.
La créatrice Elizabeth Morton adapte efficacement les costumes du spectacle à la variété des styles répandus au cours des 20 années couvertes par l’histoire, ainsi qu’à la nature des personnages. Les robes de Beth ont par exemple un ton plutôt sain pour fille d’à côté, tandis que celles de Gussie ont tendance à avoir un look glamour et slinky plus étudié. Charley porte principalement des pulls ringards et des vestes de sport, tandis que Frank, jusqu’à la scène finale, porte des chemises blanches et des cravates à bretelles, qui ne semblent pas beaucoup changer avec le temps. Les costumes d’ensemble de la séquence « Blob » des années 1960 sont une débauche de couleurs.
Le groupe du directeur musical Nathan Beary Blustein joue extraordinairement bien, rendant pleinement justice à la partition typiquement complexe d’une comédie musicale de Sondheim. L’orchestration de l’ouverture comprend quelques touches que je n’avais jamais entendues auparavant, et qui ont toutes bien fonctionné.
Situé dans une période particulière, même si elle est, Joyeux nous roulons n’est pas un spectacle qui vieillit. La question « Comment êtes-vous arrivé ici ? » s’applique à la vie de chacun à un moment donné, ainsi qu’à la vie d’une communauté ou d’un pays également. La production de Keegan, de première classe à tous égards, maintient la question avec vivacité.
C’est un succès.
Durée : Deux heures et 40 minutes, dont un entracte de 15 minutes.
Joyeux nous roulons joue jusqu’au 3 mars 2024 au Keegan Theatre, 1742 Church Street NW, Washington DC. Des billets (55 $ à 65 $) sont disponibles en ligne. Des informations sur le spectacle et les crédits peuvent être trouvées ici.
