Par Teniola Ayoola
L'équipe d'Arena Stage et de Step Afrika! intensifie la tempête. Écoutez attentivement et laissez-vous surprendre par la résilience de l’esprit afro-américain. De l’arrivée des marchands d’esclaves sur le continent à la période d’Antebellum, jusqu’aux temps modernes, deux choses sont constantes : le changement et le triomphe.
La migration : réflexions sur Jacob Lawrence est basé sur une œuvre d'art de 60 panneaux créée par Jacob Lawrence entre 1940 et 1941. Son travail détaille le voyage des Afro-Américains qui, entre 1910 et 1940, ont fui par millions le Grand Sud – Mississippi, Alabama, Arkansas, Louisiane – où ils ont été confrontés à la ségrégation, aux lynchages, aux inondations, aux attaques du charançon de la capsule sur le coton et à d'autres conditions difficiles. Ils ont déménagé vers le Nord et se sont installés dans des villes comme Saint-Louis, Cleveland, Pittsburgh, Détroit et Chicago. Malgré son lot de problèmes – logement limité, tuberculose, tensions raciales et préjugés – le Nord a offert de meilleures opportunités d'éducation et de travail aux Afro-Américains.
La migration présente une intersection dynamique des arts visuels et du spectacle impossible à oublier. Réalisateur Jakari Sherman avec Step Afrika ! le directeur artistique Mfoniso Akpan a créé pour la première fois Le Migration Il y a 12 ans d'après 30 panneaux de la collection Lawrence ; il s'agit de la première série à inclure les 60 spectacles projetés au-dessus de la tête pendant que les danses et les numéros musicaux se déroulent sur scène. Avec une conception scénique de Harlan Penn et une conception sonore originale de Patrick Calhoun, La migration maintenant à Arena est tout aussi revigorant que nouveau et amélioré.
Le numéro d’ouverture accrocheur est «Appel de tambour», chorégraphié/composé par Jakari Sherman et WE Smith. Au début, tout est noir, puis on voit un rayon de lumière percer horizontalement au-dessus des danseurs. Une dizaine de batteurs sont positionnés sur scène, les femmes devant et les hommes derrière. Ils regardent et fixent intensément (peut-être le grand changement à venir avec l’arrivée des marchands d’esclaves), sans expression, et sans même baisser les yeux sur les tambours qu’ils frappent avec passion, militantisme, à un rythme croissant. Ils sont pieds nus, les femmes en bandeaux et les hommes torse nu en pantalon. Le concepteur sonore Calhoun et la conceptrice d'éclairage Marianne Meadows ont réalisé un travail incroyable avec les effets sonores et visuels du tonnerre et des éclairs, intensifiant les battements tumultueux des tambours qui signifient l'arrivée chaotique et calamiteuse des navires étrangers dans les villes africaines et leurs conséquences dévastatrices.
« Les Tambours», chorégraphié par David Pleasant, met en valeur les difficultés auxquelles les Africains asservis ont été confrontés dans le Sud. Ce nombre comprend « les spirituels, les cris sur le terrain et les cris ». Dans cette scène particulière, l'un des danseurs principaux tenait un talisman qui était pointé dans différentes directions vers le public, puis dans un mouvement circulaire au-dessus de la tête d'un autre sur scène. Les mouvements de danse afro-spirituels de ce numéro rappellent ceux du Candomblé et d'autres pratiques dans lesquelles la danse et les tambours étaient utilisés pour relier les esclaves d'Afrique à leurs orishas/dieux natifs et trouver un soulagement spirituel à leurs problèmes terrestres lorsqu'ils s'échappaient physiquement d'un autre. que la mort était impossible.
La scène revient dans le noir absolu et un projecteur attire notre attention sur le panneau n°15 de Lawrence intitulé « Il y a eu des lynchages ». Cette œuvre d’art poignante reflète les troubles émotionnels et physiques que les Afro-Américains ont endurés dans le Sud. À ce moment-là, une dame apparaît au fond de la scène et commence à chanter « Wade in the Water », chanté à l’origine par Ella Jenkins. Le chant, l'art et la danse témoignent d'un changement de l'afro-spiritualisme/vaudou vers l'église et le christianisme comme soutien aux Afro-Américains. Décrivant « l'importance de l'Église pour aider les Afro-Américains à survivre dans le Sud, et son rôle essentiel dans l'aide aux migrants vulnérables à se réinstaller dans le Nord », le panneau n° 4 « Ils étaient très pauvres » ; Panel #11 « Le prix de la nourriture avait doublé à cause de la guerre » ; Panel #54 « Pour les migrants, l'église était le centre de la vie » ; et Panel #17 « Les fermiers ont été traités durement par les planteurs. »
À un moment donné, les Afro-Américains du Sud ont dû subir un autre changement : ils ont dû survivre sans tambours. Le Negro Act de 1740 a interdit aux Afro-Américains de se rassembler pour battre des tambours, utiliser des cors ou d'autres instruments bruyants. « Ils ont emporté nos tambours » est répété au moins dix fois dans le numéro «Suite Wade» (chorégraphié par Kirsten Ledford, LeeAnét Noble et Paul Woodruff avec le chant d'Ariel Dykes, Briona Jackson, Greg Watkins et Kanysha Williams) – « Mais ils n'ont pas pu arrêter le rythme. » Grâce au costumier Kenann Quander, nous avons eu droit à une pause de louange complète avec les dames vêtues de belles robes et de chapeaux du sud dans une gamme de styles et de couleurs, et les hommes en pantalons habillés, boutonnés et gilets de costume. Ce numéro signifie le triomphe des Afro-Américains dans la création musicale en utilisant des bâtons, des claquettes, des bottes en caoutchouc, des tambourins, leur corps, leurs mains et même leur souffle, qui était souvent présenté et entendu dans le cadre de la chorégraphie et du chant pour garder la musique vivante.
La seconde moitié de l'exposition se concentre sur la grande migration survenue entre 1910 et 1940 et fait l'objet de la série de 60 panneaux de Lawrence. Dans « Suite Trane» (enregistré à l'origine par WE Smith), le scénographe Penn nous emmène dans une gare très fréquentée. Lionel B. Lyles II est en coulisses et joue magnifiquement du saxophone avec son chapeau d'argent posé sur le sol à côté de lui. Non loin de là se trouve un banc sur lequel une dame est assise, nous tournant le dos, en train de bercer un bébé. Nous voyons les superbes images du panneau n°5 représentant un train en mouvement avec les phares allumés à plein régime. L'image est encore renforcée par les effets sonores immersifs des klaxons du train et de ses roues qui défilent. Cette fois, Quander présente les belles dames vêtues de robes sans manches vertes, roses, jaunes et rouges.
Dans « Hors du train», La chorégraphie de Jakari Sherman montre trois messieurs éblouissants et éblouissants dans des mouvements suaves avec leurs bagages. A peine arrivés dans le Nord et enthousiasmés par les possibilités, ils reçoivent un tumulte du public (« YA'LL BETTER COM'ON NOW ! » et « C'est comme ça qu'on fait ! ») alors qu'ils reprennent et déposent avec une précision sans effort. les bagages, déplacez-vous sur la scène de manière synchronisée ou successive, et faites passer les bagages de l'accessoire à la chaire piétinant sur laquelle taper. Incroyable.
Dans l’ensemble, le costumier Kennan Quander mérite tous leurs fleurs. Le reste des chiffres montre une formidable habileté et une attention aux détails dans la création de répliques humaines en 3D des peintures de Lawrence. Dans « My Man's Gone Now » (avec une chorégraphie de Mfoniso Akpan, Aseelah Alien, Dionne Eleby, Kevin Marr et Jakari Sherman), nous voyons une dame sur scène reproduisant le Panel #57 vêtue de blanc de la tête aux pieds, tenant un bâton. et en gardant la même posture dans le tableau. Ce groupe démographique a été le dernier à se déplacer vers le Nord puisque les hommes partaient souvent les premiers avant d'envoyer chercher leurs femmes et leurs enfants. Dans le panneau n° 53, nous voyons une superbe femme noire sur scène vêtue d'une magnifique robe similaire à celle à l'image de Lawrence, ainsi qu'un boa en fourrure et un chapeau avec des plumes, bras dessus bras dessous avec un homme vêtu d'un costume et d'un haut-de-forme. . Nous voyons une reconstitution du panneau n°55 dans lequel trois personnages portant des chapeaux et des manteaux noirs portent un cercueil avec la tête baissée, une référence aux décès dus à la tuberculose dans le Nord, puis plus tard, des personnages portant des pancartes de protestation disant « Libérez les garçons de Scottsboro. » Les personnages sur scène sont habillés dans la palette de couleurs de la série de Lawrence : jaunes, rouges, bleus, verts et noirs.
Cette production remonte non seulement à la migration forcée des Africains vers les États-Unis comme esclaves, mais va au-delà des représentations futures de Lawrence. Ce faisant, il dépeint une histoire exceptionnelle et convaincante de changement et de triomphe constants. Dans « Chicago», chorégraphié par Jakari Sherman, nous voyons un éventail d’Afro-Américains prospérer dans toutes les sphères et tous les secteurs du Nord et « planter leurs seaux là où ils sont », selon les mots de Booker T. Washington. Grâce à Quander, nous voyons les migrants comme des chefs d’orchestre, des infirmières, des vendeurs de chaussures, des danseurs, des musiciens, des athlètes, nous voyons des familles et bien plus encore. Si nous allons un peu plus loin dans le futur, nous verrions un Afro-Américain comme président des États-Unis et une femme qui a grandi dans le sud de Chicago, là où les migrants se sont installés lors de la grande migration, comme la première dame des États-Unis. Les États également.
Le changement et le triomphe sont le thème/fil conducteur récurrent de l’histoire afro-américaine aux États-Unis. C’est aussi celui que Step Afrika! avec confiance nous aide à croire que cela se poursuivra dans les années à venir.
Durée : Environ 1h30, dont 15 minutes d'entracte.
La migration : réflexions sur Jacob Lawrence joue jusqu’au 14 juillet 2024, présenté par Step Afrika ! se produisant au Kreeger Theatre à Arena Stage, 1101 6th Street SW, Washington, DC. Des billets (45 $ à 115 $) peuvent être obtenus en ligne, par téléphone au 202-488-3300 ou en personne au bureau des ventes (mardi-dimanche, 12h-20h). Arena Stage propose des programmes d'économies, notamment des billets « payez votre âge » pour les personnes âgées de 30 ans et moins, des réductions pour étudiants et des « Nuits du Sud-Ouest » pour ceux qui vivent et travaillent dans le quartier sud-ouest du district. Pour en savoir plus, visitez arenastage.org/ savings-programs.
Le programme pour La migration : réflexions sur Jacob Lawrence est téléchargeable ici.
Sécurité COVID : Arena Stage recommande mais n'exige pas que les clients portent des masques faciaux dans les théâtres, sauf lors des représentations désignées exigeant un masque. Pour des informations à jour, visitez arenastage.org/safety.
Téniola Ayoola est un passionné d'art et de culture. Pendant son temps libre, vous pouvez la trouver dans une galerie d'art, un musée d'art ou au théâtre. Elle est titulaire d'un diplôme de premier cycle en journalisme et communication de masse de la School of Media and Public Affairs de l'Université George Washington. Elle a eu l'occasion de travailler avec la British Broadcasting Corporation (BBC), de faire un stage à la Shakespeare Theatre Company et de bénéficier d'un mentorat en tant que boursière de la White House Correspondents Association. Elle a récemment obtenu son master en gestion de l'Université Harvard et fait désormais partie du programme « Theatre U » pour critiques d'art de DC Theatre Arts. Suivez-la sur X @TopTeniola!
VOIR ÉGALEMENT:
Le chef-d'œuvre de Step Afrika!, « The Migration », revient à DC à l'Arena Stage (Critique de John Stoltenberg sur la production 2018, republiée le 27 mai 2024)
